挑選自己喜歡的電影本來就是一種對未知領域的探索, 如何在看過介紹資料之後, 很準確的挑選到自己喜愛的類型, 甚至省掉很多看你不喜歡的片的時間? 在這邊Steven要介紹給大家的挑片方式是透過對IMDb網站的資料解讀, 來準確挑選到想要找的片型, 以下是我對IMDb資料解讀的步驟分析:
1. 首先可以先看看User Rating(影迷評分)
User Rating:7.6/10 (5,892 votes)這是網站上評分的資料, 旁邊的5892 votes正是評分投票的人數, 我個人是覺的評分人數要達到一千人以上, 整體的評分才會比較準確, 而5892 votes 這個連結點進去, 便可以得知各個年齡層的評分分數
Steven 發表在 痞客邦 留言(2) 人氣(302)
2008 年初 Steven 心目中的十大感人片: 1. 留住一片情
2. 前進天堂
3. 就像在天堂
4. 現在很想見你
5. 日本物語
6. 童年舊事
7. 鋼琴師
8. 篝火晚會
9. 悲戀印巴
10. 我很想你小小短評:
我的排名是依照我看電影的記憶和催淚程度做個小小的排名，基本上這十部都是很催淚的感人片，留住一片情我之所以會排第一名，是因為這部片的摧淚橋段真的很多，而且每個都很有力道, 配樂和劇情完美搭配，十分觸動人心。
前進天堂則是因為劇情張力很有催淚力道，每位演員都有很感人的內心戲。就像在天堂則是透過各個角色所經歷的心靈創傷，用團體的力量來克服眼前的困難，最後的團體情誼真的很催淚。
現在很想見你，我想大多數人應該都很認同吧，每位角色細膩自然的演技，把原本就很感人的劇情，詮釋的動人無比，裡面那位小男孩的演技很有說服力。
日本物語則是著重在女主角前後的心態轉變，真情流露且細膩的演技，不由得讓我紅了眼框，童年舊事則是因為小男孩對父親的強烈依戀，到最後不得不面對現實的那一刻，十分催淚。
鋼琴師則是以飾演大衛考夫曼的三位演員十分有說服力的演技，加上戲劇化的劇情，而深深打動觀眾的心。篝火晚會則是將冷戰的親子關係，多層面的作情感描述，前後的轉變十分催淚，悲戀印巴則是以兩個敵對國之間的禁忌戀情，悲慘又充滿情感流露的劇情，相當觸動人心。我很想你則是以小女孩對父親的思念，深深打動觀眾的心，尤其是最後所有同學都起身支持小女孩那幕, 十分催淚。
這十部不知道各位有看過幾部呢？就純粹和大家分享我的觀影紀錄囉！
Steven 發表在 痞客邦 留言(4) 人氣(288)
續~~~
《Cannibal Holocaust》：Lucio Fulci的《Zombie》還創了還屍魂電影的一大轉折，不久還屍魂電影又轉變成食人電影。這些電影中的很多部都是發生在叢林中，講述暴力性的奇風異俗，甚至包括真正的動物殘殺。故事情節都有著壓抑般的相似。一隊探險者來到一處叢林，在那發現了食人土著民。在對土著們探索、追問之後，這些探險者反被食人土著捕獲，經受了一系列拷問（甚至包括切除生殖），最終變成了食人族的豐盛午餐。最後來說，這些影片根本沒有什麼好討論的，除了Ruggero Deodato製作的兩部電影不管如何還算不容忽視。
Deodato的第一部食人電影是《The Last Cannibal World》（1976即The Last Survivor），這是一部精心製作的探險性電影，講述白人探險隊發現了隱藏著的食人部落後陷入野蠻的境地。他的後部作品《Cannibal Holocaust》災難重重地夢魘般描述了人們行為中的虛無和恐怖。
影片開頭是一位紀錄片製作者來到亞馬遜，他發現了一個土著部落。為了他紀錄片中鏡頭的情感需要，土著們或挨打受刑，或遭奸淩辱。不久紀錄片拍攝者不見了，搜察小組著手調查他的失蹤，最後發現了紀錄片的金屬罐子，於是把它們帶回國內，罐子中《Cannibal Holocaust》的殘留部分描述了食人土著是如何報復那位不幸
的紀錄片拍攝者的。
《Cannibal Holocaust》令人焦慮不安的原因，是其中在鏡頭前表現出來的動物殘殺似乎是直接要把真正的死亡帶入電影。尤其是其中一幕，一隻大海龜被演員們殺死並肢解，這要數自Luis Bunuel《一條安德魯狗》（Un Chein Andalou）中剃刀割破眼球以來最令人震驚的畫面了。Deodato在訪談時提到，其中的動物只不過是
食人族的食物來源，對這些畫面發怒的觀眾們很是虛偽地考慮著全世界每天有多少肉品被消費。不過很是公平的是再也沒人對Nicolas Roeg《Walkabout》（1973）或John Water的《Pink Flamingos》（1972）中的動物殘殺有所抱怨。Deodato的這一電影把死亡直接帶到觀眾面前，如果製造不精細的話，很容易遭到譴責，但它顯然不是，其中的表演很是精彩，攝影、配樂都甚為出色，導演的意圖也體現得無所不在。《Cannibal Holocaust》無疑是一部製作精良的電影，不過最後觀眾們感到被玷污的是大家不禁會懷疑，這時的恐怖電影是不是走得已經太遠了。
Deodato繼續製作了結果各異的類型片，《The House on the Edge of the Park》（1981）是一部有David Hess（《Last House on the Left》1972）扮演的性心理虐待片。《Dial Help》（1989）和《Phantom of Death》（1986）很有風格，但最終也沒有脫穎而出，不過他的新作《Washing Machine》（1993）是部肯定值得一看的低成本giallo電影。
《Gates of Hell》：在George Romero的《Dawn of the Dead》（Zombi）取得成功後，Lucio Fulci接著導了一部義大利製作的繼集，名為《Zombie II》（在美國被改名為《Zombie》）。這部電影同樣成績斐然，使得Fulci的電影生涯步入佳境。儘管《Zombie》一直是他最著名的作品，《Gates of Hell》在每一方面都可圈可點。
在Dunwich小鎮上，一位神父自殺並開啟了地獄之門，記者Peter（Christopher George）負責調查己認定死去的通靈者（Katherine McColl）一事，結果發現她是被活埋的。在聽到她在墳墓中的尖叫和用鋤子調棺木的聲音後，兩人和McColl的精神病專家前往Dunwich去關閉地獄之門。接下來的鏡頭講述Dunwich鎮上的居民間漫延起死亡和罪惡。影片的血腥結尾安排在地下的墳墓中，最後是模糊的嚇人鏡頭，這多少削弱了整部作品的精彩。
《Gates of Hell》一點也也不能稱得上完美，很多Fulci的批評者們提出的意見很為精確，血腥往往是使人心煩，而不能引人入勝。其中最臭名昭著的一幕是一位少女傾腸嘔吐直至吐出真的羊肉髒，一邊還是濕濕的打嗝聲。這一系列恐怖片往往和致命的升級無關，就象另一幕中那樣，一位老人懷疑一名低能年輕人強姦了他的女兒，於是在他頭上開起鑽孔機。不過這個笨拙的結局和令人反感的血腥並沒有掩蓋整部作品的很多賣點。氣氛神秘而凝重，Dunwich村莊浸浴在陰森的綠光中，霧團湧過街道和黑暗的走廊。另外，堪稱是義大利恐怖電影行業中最出色又比較微妙的鏡頭（相對於上面提到的過度暴力）出現了。當Peter砸開Mary的棺材，鋤子離她的頭部只有數英寸，這一幕的確扣人心弦。另一幕小孩被死去姐姐的鬼魂追逐著跑過街道時，也堪稱是整部作品中的最出彩部分。
《Gates of Hell》之後，Fulci執導了兩部更為精彩的恐怖電影，《The Beyond 》（最近被昆汀．瓦侖蒂諾（Quentin Tarantino）重新放映）和《House by the Cemetery》（1981）。Fulci後來的作品並不是很時髦，缺少能使得他的過度暴力引人入勝的迫人的氛圍。《Manhattan Baby》（1983）和《New York Ripper》（ 1982
Steven 發表在 痞客邦 留言(0) 人氣(470)
續~~~~
《Next》（即The Next Victim、Blade of the Ripper和The Strange Vice of Mrs. Ward 1970）：在這一類型最受歡迎的時候，Sergio Martino拍出了幾部非常出色的陰暗廉價的gialli作品。《Torso》（即Bodies Bear Traces of Carnal Violence）是由Suzy Kendall（Bird With the Crystal Plumage）出演的一部極極暴力的作品，《Day of the Maniac》（即They’re Coming to Get You和All the Colors of the Dark）有Edwige Fenech出演的一部狂亂又神奇的作品，心理的狂想和惡魔般的儀式並重。考慮到我的錢包，Martino最棒的作品是《Next》。 Edwige Fenech飾演Julie，一位義大利外交官（Manuel Gill）的妻子。度假回來不久，Julie聽說了系列暴力性犯罪的消息，（“是一名性欲狂嗎？”他的司機問員警，答曰：“是的，不過他還使用剃刀。”），使她想起了以前的情人Jean （Ivan Rassimov演）以及兩人間曾經的狂亂的關係。第二天晚上Jean在Julie參加的一個聚會上出現，並試圖界入她的生活。同時，哀求神秘殺手的女受害者又越來越多，難道是巧合？
Next一片如此出色，有四個明顯原因。首先最重要的Fenech那脆弱性感的表演，她在片中某部分竟未有多大交待就神秘失蹤，敍事也以此為終。其次是Martino那富有想像力的導演，在一組Julie和Jean性感神秘淫而不亂的兩性遊戲情節中表現得淋漓盡致，幾近巔峰。其三，劇情（Ernesto Gastaldi合作）充滿緊湊的角色和凝聚一團的情節。最後同樣重要的是Nora Orlandi那炫爛的配樂。
要想比較滿意地收看《Next》未經刪改的版本是不大可能的事情，在美國它以兩個版本上映。《The Next Victim》是比較正式的一個版本，但一開始就少掉了很多重要的內容，包括所有的裸露鏡頭。裸體鏡頭的缺失尤其是個麻煩，因為這樣縮短了作為整部影片靈魂和中心的倒敍事件。共中有一幕Jean把香檳潑倒在Julie身上，然後在她腿上砸破酒瓶，碎玻璃屑灑落在她身上。這對影片所設想的調子和角色而言極其重要。另一個美國版本《Blade of the Ripper》雖然保留了裸體場面，但在影片中間處刪去了很重要的一段，更為糟糕的是這版本的視覺效果實在不敢恭維，綠乎乎的只有中間部分才算看得比較清楚。據說現在己有第三個版本的《The Strange Vice of Mrs. Ward》通過郵購可以獲得，估計這和以上提及的版本相比，要留有更多的連續鏡頭。
《What Have You Done To Solange》（又名The School That Couldn’t Scream, Who’s Next?）（1972）：Enrico Rossini （Fabio Testi演）是一名英語學校的義大
利
教授，和一名舞蹈學生Elizabeth（Christina Galbo演）發生了婚外性關係。在他的另一名學生被發現腹部中刀遭害在樹林中後，他不肯說出自己和學生的曖昧關係因此難以澄清當時不在現場，落得嫌疑。謀殺還在繼續，Rossini開始自己調查，而案情隨著每一次事發前Elizabeth的心理徵兆而愈加撲朔迷離。Rossini的調查牽涉到一位名叫Solange （由Camille Keaton倒敍扮演，不久她便成了《Spit On Your Grave》等電影中昭著的強姦受害者）的年輕女子，她的最終命運和這謀殺案的真相有關。
儘管很多gialli電影無非是媚俗的色情加暴力而己（如Polselli的《Delirium》），Massimo Dallamano保持著中規中矩的進步，把極端的暴力場面留到結尾才出現。最終是片中罪犯殘留的情感勝過了對他們本身描述。影片也承繼了傳統giallo電影中兇手的“以牙還牙”的行為準則，受害者腹上的刺刀算是對他們以往罪孽的報應。關鍵的情節我就不透露了，以免掃了大家的興致。（可對照著後來Dario Argento的《Trauma》中的情節安排。）
《Deep Red》（又名Profondo Rosso）（1976）：giallo電影風靡一時並被少數電影製作者窮盡模仿後，Dario Argento以《Profondo Rosso》一片將這一類型來了個大翻轉，它不再拘泥於傳統的敍事邏輯，影片中的神秘謀殺如同他早期作品一樣曲折複雜，但神秘的線索卻不僅隱藏在對話臺詞中，還在作品的結構和視覺動機中。
Marcus Daly（David Hemmings演）是位身居羅馬的爵士鋼琴師，某晚和他鬱悶的朋友一起外出喝酒，看到了眾所周知的殘忍的心理謀殺者Helga Ulman（Macha Meril演）。一進入她的居所，他發現一幅畫失蹤了，片中這幅畫一直縈繞在他心頭，儘管他記不得他見過什麼，但他堅信那幅畫在他去過之後被移走了，而畫中暗藏玄機。他的調查牽涉到和記者Gianna Brezzi（Daria Nicolodi演）奇怪的性遊戲，中間穿插了Carlos精神不正常母親，Marta（Clara Calamai演）和一本神秘的書，這本書把他帶到有著小孩尖叫聲的屋子，這屋子的牆間埋著驚人的秘密。
一年後模仿Argento《Suspiria》而拍成的《Profondo Rosso》是視聽上的一次震撼，影片中不同層面的暴力會讓最最無精打采的恐怖電影迷們歎為觀止：滿口牙被打落，婦女的面孔被氣騰騰的浴水燙傷，身首被上升的電梯扯斷。為了保持Helga Ulman這一角色的心理前兆主題，片中每一次死亡都在結構上有事先預示。當Marcus在旅館中打計費電話時就預示著要燙傷臉，牙齒被擊碎就發生在Marcus調鋼琴試圖演奏“擊碎他父親的牙”之後，Helga口中噴湧而出的水也預示著殺手要悲慘地死去，失蹤的畫的秘密在片末字幕中慢慢流露。
作品另一頗具影響的方面是Goblin Argento樂隊的電子搖滾樂，在捨棄了Giorgio Gaslini原創交響樂中的大部分後，代之以暴力音樂和Goblin式的尖叫。這音樂如同給影片提供了心跳聲一樣，和《What Have You Done To Solange?》（Ennio Morricone）和《Next》（Nora Orlandi）成為七十年代三大giallo音樂。
就象Sergio Martino的《Next》一樣，要找到一個令人滿意的《Profondo Rosso》版本不是那麼容易。美國版名為《Deep Red: The Hatchet Murders》，也缺了二十多分鐘暴力和人物交待的連續鏡頭。日本版《Suspiria II》儘管保留了暴力並外加了一些對話，但還是缺了十五分鐘。配了義大利語的版本，雖未經刪減，但其中David Hemming機智聰明的表演由另一演員配音成義大利語時大打折扣。Hemming是影片的情感中心和靈魂，沒有他的全部表演，影片無疑也降了個星級。
giallo電影在義大利如此受歡迎，以上聊聊數言，還不乏有成千上百的例子值得一提，隨著這一類型電影的受歡迎，以往很多電影都開始公映。在第三部分，我將講述在義大利恐怖電影的黃金時期，gialli電影和各種美國電影（尤其是《The Exorcist》和《Dawn of the Dead》）如何影響了義大利恐怖電影的過去二十年。
三
血紅與光豔
在義大利恐怖電影的黃金時期，以及giallo電影的早期，義大利影業有它獨特的風格。其他影響也可以看出來，Mario Bava和Riccardo Freda的歌特式電影於Hammer Horror電影的成功不無關係。然而恐怖電影和giallo電影保持著各自的特徵。
1973年William Friedkin的電影《The Exorcist》改變了一切，Possession電影一統天下，Ovidio Assonitis的《Beyond the Door》（1975）可能是其中最知名的，Alberto de Martino的《L’Anticristo》（1974）（即The Tempter）是其中最出色的，往後還有《House of Exorcism》等等。
Steven 發表在 痞客邦 留言(0) 人氣(435)
義大利恐怖電影史
眾多恐怖電影迷們都以為他們的鍾愛己在Universal、Hammer、Roger Corman和其他一些著名的恐怖電影製片室和生產商攝製的各類影片中得到了實現。其實只有當你到陽光燦爛的義大利對滿布陰霾的意國電影走走看看時，你才算真正經歷了經典的恐怖電影。真如David White在他三章系列中所言……
一
烏黑與淡白
夜半時分，年輕的牛奶場女工離開人聲鼎沸的酒館，要穿過一條小徑到達敗落穿風的牛棚。當她走出酒館，眼前是黑壓壓一片魅影四伏的森林，別無他路。她只得繼續前行，周邊重重的樹林看起來暗藏驚悚。女孩白皙的肌膚裸露在深夜的黑漆中，黑夜如毯子一樣緊裹著她幾近窒息。當夜風吹過林中，呼嘯著要喚醒所有的驚恐，她開始無助地顫抖……這部影片是Mario Bava的《撒旦的面具》（Mask of Satan又名Black Sunday），相比之下能夠更為有效直接地體現驚悚恐懼的影片寥寥無幾。偶有他例，Pupi Avati的作品《笑窗之屋》（House with windows that laughed）的開場鏡頭是旋轉著的一具暈黃的男人軀體。隨後，一隻手揮舞著匕首，直捅男人的胸膛，柔和的鋼琴聲被他的慘叫打斷，"顏色，"又一聲"顏色"。在Dario Argento的《地獄》（inferno）中，一位少婦穿過一座外觀陰森的圖書館門廳，當她走過幾名坐著的人身邊，目光盯著他們面前的書本，除了她的腳步聲外，一片寂靜。突然間她經過一名婦女處，沒料到的是這婦女直盯觀眾，目光咄咄，似乎要帶走我們中的每一位。這就是義大利恐怖電影，作為被擱置在藝術電影和基本廣告之外的一種類型，彌補了電影世界空缺的一節。儘管義大利恐怖電影從未被所謂的電影學者（他們中的大多數人把關注的對象局限在1939到1979年間湧現出的好萊塢電影以及在美國有著不錯口碑的外國電影作品）所接受，但它投另類癡迷和渴求刺激的電影觀眾所好，找到了較為適宜的定位。然而大多數義大利恐怖電影都不能為大家所獲，除非是通過郵購。少數幾部能夠通過Blockbuster Video網路傳播的也很難保證未經刪剪。難逃刪運的性、暴力或其他重要的視覺元素只能在郵購拷貝中窺得。然而，這些精彩的電影部分通過在旅館影院和早期錄像帶中的曝光引起了電影迷們的興趣，這也促使較為新潮的電影學者們徑尋著全版的電影，對盎格魯藝名加以解讀之餘對著每一位願意聆聽的人宣揚道：Mario Bava, Dario Argento和Lucio Fulci才是奇絕電影中被忽視了的英雄。他們的這一熱情不久也帶來了專門性的恐怖電影海外郵購公司的興起。令人欣慰的是這些電影都不再如以往般難以找尋。本文第一部分將介紹早期的義大利恐怖電影以及Mario Bava、Riccardo Freda和Antonio Margheriti的歌特式怪誕、淒涼的鬼怪小說。第二部分《銀與黃》將察視giallo類型電影和Dario Argento的興起及其影響，第三部分《深紅》將討論近二十年來義大利恐怖電影以及諸如《Dawn of the Dead》、《The Exorcist》之類的美國電影如何影響導致了這一類型片中的優秀作品的出現以及劣質影片的氾濫。
I Vampiri又名The Devil's Commandment (1956)：義大利恐怖電影可以認為是電影製作者、雕塑家Riccardo Freda在1956年"發明"的。這個以巴黎為故事背景的電影講述了一位元記者如何調查一宗系列性離奇命案的故事，遇害者都是周身血液被抽幹。調查結果指控是一名瘋狂的醫生為了他心儀的伯爵夫人留駐青春芳顏而集取年輕女子的血液。結果掀起了軒然大波，迫使導演Freda在拍攝的第十天就選擇放棄，攝影師Mario Bava接手了最後兩天的攝製。這部作品堪稱空前，它的巴羅克視覺風格和頗講情調的攝影仍未能使它逃離票房慘澹的厄運。在美國上映時，儘管對此作品進行了刪減，並新增了一個逗笑、好色的角色Al "Grandpa Munster"Lewis，但票房成績更慘。然而其中還是有頗多值得義大利恐怖電影迷們玩味的地方。儘管有關恐怖電影的定義在後來得到了更為恰切的定義，但Bava和Freda貫穿始終的影響是顯然的，這正是義大利恐怖電影的發端。
The Mask of Satan 又名Black Sunday (1960)：義大利電影製作者再次著手恐怖電影的拍攝已經是四年以後了，在Renato Polselli同樣受歡迎的《The Vampire and the Ballerina》(1960)之後，攝影師Mario Bava首次作為導演浮出水面，創作了一部代表性的恐怖電影，這宣告恐怖電影作為一種電影類型從此誕生。The Mask of Satan是真正意義上的恐怖電影代表作，故事大致源于果戈裏的《the Viy》，它講述一個處死二百年後的巫婆復活人世開始報復當初處死她的人們的後代，然而這個故事相對於Bava那幾乎要跳出螢幕般的特殊視覺效果而言稍顯次要，他的構圖如此複雜，以至於影片的每一幀都可以被放大並掛在牆上，光與影的強烈對比營造出有甚於Universal公司早期作品的恐怖效果，Bava創造出一出驚心動魄的神怪故事，充斥了巫婆、幽靈、秘密通道、淒叫的野狗、惡毒的公車司機甚至包括對著路人張牙舞爪的樹枝。每一位看完此片的恐怖電影迷都著實大開眼界。這部影片在義大利取得成功並預示著Bava執導生涯的開始，它在美國經過刪改後冠以《黑色星期天》（Black Sunday），同樣大受歡迎。雖說它經過了修改，但基本上還是保證了原作的汁味，並一著被能在首映時有幸一睹的美國電影迷們津津樂道難以忘懷。影片取得成功的一大功勞歸於片中的影星Barbara Steele，這部作品標誌著Barbara Steele演藝生涯的發韌，之後她又在九部義大利恐怖電影中擔綱主演，每一部都因她的表現而亮色。她那陰暗的造型、冷淡的情欲使她自然而然地適演恐怖片，由她演出的多數電影取得成功都與她的表現密不可分，她的另外幾部義大利恐怖電影為：《The Horrible Dr. Hichcock》（ 1962）、《The Ghost》（1963）、《Long Hair of Death》（1964）、《 Castle of Blood》（1964）、《Nightmare Castle》（1965）和《She-Beast》（1965）、《Terror Creatures from the Grave》（1966）、《An Angel for Satan》（1966）。
《The Terror of Dr. Hichcock》（又名《The Horrible Dr. Hichcock》1962）：沒人甘願被舊時同僚所超越，Riccardo Freda假以藝名Robert Hampton開始創作自己的恐怖電影代表作品。有別於Bava對怪力亂神題材的熱衷，Freda把關注的目光對準人內心的罪惡。他在攝影色彩和零星的演員上下工夫，Freda和編劇Ernesto Gastaldi編了一個Hichcock大夫和他兩個不幸妻子的故事。苦於自己不能以正常方式進行房事，善良的大夫對他那迫切需求歡愛的妻子注射了鎮靜劑。在發現了一種能把人心跳速度降低至極點的麻醉劑後，他冷談的性欲能夠以此得到了最大的滿足，於是他便換用這一新藥方注射，結果出現事外，他的妻子因此死去。影片的其餘部分講他和他再婚後的妻子（Barbara Steele所扮演的最出色的角色之一），她如何逐漸發現大夫那恐怖的幻想。本片揉和了Daphne Du Maurier的《Rebecca》以及Walt Disney《Snow White》中的一些元素，除了其中的審判（這一點並不象二十年後Joe D'Amato的Buried Alive）外，基本上是一個索然無味的題材，但它是真正營造出陰森恐怖氛圍的經典恐怖片。Freda並不滿足於簡單地利用鏡頭向觀眾講述故事，還讓其中的演員進行表演發揮。值得細看的是當Robert Flemyng驅車前往年輕女屍處時被他一位老同事打斷這一場景。還有就是Steele慢慢發現她被鎖在箱子中時一幕。在義大利恐怖片中很少有演員允許如此激情的表演，他們的角色對於整個成品而言不可或缺。編劇Gastaldi自他漸被淡忘的首部銀幕恐怖作品《Vampire and the Ballerina》以來從事這一類型片的工作也有多時，他繼續編出了Mario Bava導演的作品《What!》（又名The Whip and the Body，1963）以及Paolo Heusch的《Lycanthropus》（又名Werewolf in a Girl's Dormitory，1962）。Freda又執導了《ghost》1963）幽靈系列作品，然而並沒有承繼前作的情節，Hichcock大夫反成了受害者，他妻子卻是陰險的反派人物。與以往作品的注射器有關聯的是大夫本人為了延續生命反而須要接受注射，而他所愛的妻子正使用這注射器慢慢毒殺他。故事以這種方式展開，直至最後出人意料的結局，第一部作品中的罪惡在自己的肆虐中得以明證。
《Castle of Blood》（1964）：Antonio Margheriti導演雖說名聲要稍遜於Freda和 Bava一籌，但他同樣為這一電影類型貢獻出了一大把傑出的作品。Castle of Blood是他的第一部也是最受爭議的恐怖電影作品。George Riviere在本片中扮演了一位名為Foster的年輕作家，在一家小旅館裏追尋著艾倫．坡（Edgar Allen Poe）。Foster和坡的朋友們打賭聲稱自己能夠在當地一個鬧鬼的城堡中度過一夜，之後就向黑暗進發，以證明鬼神並不存在，並贏得他的獎金。當他到達城堡之後卻面臨了Blackwood一家的鬼怪情，這一家人的淫欲致使家庭分崩並最終導致他們殘忍的殺戮。途中他邂逅並愛上了美麗的女鬼Elizabeth Blackwood（令人驚奇的是由Barbara Steele所扮演）。隨著夜晚一點一滴地過去，城堡中開始充斥起生靈，Foster這時開始意識到Blackwood一家正對他暗中策劃著一個險惡的計畫。他唯一的救星可能就是同樣墜入情網的女鬼Elizabeth。Margheriti充分利用黑白攝影以及城堡形成的幽閉恐懼症，儘管影片在最後第三段略顯拖遝，但高潮部分能嚇得人僵寒，結尾處又出人意表令人震撼。和一般的觀影者所見不同的是，Margheriti賦於他影片更多的兇殘、色情場景，這一點遠遠超出了當時的電影觀眾所能欣賞到的。其中有明顯的女同性戀傾向（這在美國審查後的版本中要顯得稍微隱蔽些）以及一條活生生逼真的蛇被斬首的畫面，這也是幾年後Ruggero Deodato的食人影片（詳見第三部分）中動物殘殺連續鏡頭的先驅。Margheriti繼續拍攝了幾部帶有歌特式傳統恐怖風格的電影，其中The Virgin of ueremburg (1964)和The Long Hair of Death (1964)是對恐怖片的傑出補充，然而1971年他重拍《Castle of Blood》，並命名為《Web of the Spider》，卻多少令人失望。儘管作品以更明顯的語調鼓吹，Klaus Kinski扮演Edgar Allen Poe也更加扣人心弦，但重拍片還是少卻了原作激動人心的地方。
《Kill, Baby, Kill》（1966）：隨著《Mask of Satan》的解禁，Mario Bava繼續他的導演藝術家生涯，很多影評人都認為Bava之後的作品再沒能取得如《Mask of Satan》般的成績。有著類似評價的是Orson Welles和他的首部作品《公民凱恩》（Citizen Kane），然而這種先入為主的觀點對Welles同樣頗不負責任，也打擊了人們對Bava以後作品的深度考察，而真是這些後來的作品不僅大大擴充和影響了恐怖電影，而且還波及後來的犯罪片、科幻片、西部片。《Mask of Satan》之後，Bava繼續挖掘恐怖與虐待的本質。他並沒停留在探索上，隨後的作品開始包括一種成熟的心理基礎，間或夾雜些超自然。他的第二部作品《The Evil Eye》（1961）開創了另一種新的giallo電影類型，這種電影類型給生命帶來更加的瘋狂和錯亂，影響至深的如1964年電影《Blood and Black Lace，1964》（詳細另見本文第二部分）。在他的電影選集《Black Sabbath ，1963》和暴力鬼怪故事《What!》又名The Whip and the Body ，1963）之後，Bava拍攝了恐怖電影黃金時期的高水準作品（當然也有爭議）：《Kill, Baby, Kill 》（1968）。
Steven 發表在 痞客邦 留言(2) 人氣(1,253)
伯格曼們”影響猶在--瑞典電影在當代 |
 |
以理性精神見長的瑞典電影長期以來不但在北歐電影中獨樹一幟，在世界影壇上也一直享有很高的聲譽。特別是其大師級的電影人物英格瑪·伯格曼，自50年代登上影壇以來，以簡約的影像風格、沉鬱的理性精神和對生與死、靈與肉、精神與存在等一系列問題的探索，成為世界影壇上為數不多的將電影納入嚴肅哲學話題的人物之一。
伯格曼所奠定的瑞典電影的理性精神和60年代瑞典新電影的寫實風格殊途同歸，曾使瑞典電影進入了一個黃金時代。在隨後的70年代，瑞典電影開始陷入了迷茫之中。這是一個被稱為灰暗的電影時期。但在進入20世紀80年代後，瑞典電影終於重新覺醒。在直到今天約20多年的當代電影歷程中，瑞典電影不斷為自己贏得新的聲譽，並重新喚起人們對這塊影壇的關注。
“伯格曼們”影響猶在
享譽世界的大師級導演伯格曼早已成為瑞典電影界的偶像式人物。儘管他自1983年完成《芬尼和亞歷山大》之後宣佈不再拍片，但實際上，他通過自己的劇本仍在對瑞典電影產生著決定性的影響。1992年，著名丹麥-瑞典導演比爾·奧古斯特執導了伯格曼編劇的影片《最美好的願望》。這部描寫伯格曼父母感情生活的電影在當年戛納電影節上榮獲了金棕櫚獎和最佳女演員獎。同年，伯格曼的兒子丹尼爾·伯格曼也把父親的小說《星期天的孩子》搬上了銀幕。1996年，伯格曼的另一個劇本《私人的談話》又被與他長期合作的女演員、導演麗芙·烏爾曼拍成了電視劇。
伯格曼之外，60年代開始嶄露頭角的導演們也在當代瑞典影壇上發揮著重要作用。最突出的要屬簡·特羅爾。他在80年代初拍攝的《鷹翔》記述了瑞典歷史上一位工程師第一次借助熱氣球去北極探險的故事悲劇，獲得奧斯卡最佳外語片提名。1992年，他又以探討暴力本質的《一首瑞典的輓歌》贏得了柏林電影節的銀熊獎。特羅爾在1996年拍攝了根據真實人物生活改編的影片《哈姆松》。影片描寫的是挪威諾貝爾獎獲得者科納特·哈姆松在二戰期間支援納粹佔領他的國家的一段歷史生活。2001年，特羅爾又拍攝了描寫瑞典歷史上第一個女飛行員的影片《潔白如雪》，並再次獲得了剛剛公佈的奧斯卡金像獎的提名。和特羅爾同樣活躍在當代瑞典影壇上的還有60年代新電影的開創者玻·維德伯格和維爾格特·斯約曼。前者在80年代從美國歸來後接連拍攝了名作《馬佑卡來的人》(1984)和《毒如蛇蝎》(1986)，其後一度擔任話劇導演，直到1995年重返影壇，拍攝了《一切都是公正的》，同樣獲得奧斯卡的提名。後者在拍出了名片《缺陷》(1989)之後，1995年又把瑞典最著名的歷史人物諾貝爾的故事搬上了銀幕。
令世界矚目的女導演群
進入當代，瑞典影壇上最引人注目的現象是一大批女導演的崛起。她們往往被作為一個群體介紹給世界。這些在80年代登上影壇的女導演們基本上都是以拍攝紀錄片開始自己電影生涯的。其中的佼佼者如英吉拉·羅梅爾、梅·維克塞爾曼、岡耐爾·林德布盧姆、瑪麗安娜·阿倫等。她們在一向以男性意識為主導的影壇上，通過紀錄片的形式向世人展示出一個為她們所關注的獨特的世界，終於衝破了女性在電影中所做的事情只能和“性”有關的傳統觀念，成功地邁入了故事片導演的行列。作為當代瑞典女導演核心人物的則是自60年代中期就已經登上影壇的梅·柴特靈(1994年去世)。她在國外漂流了十幾年、並拍攝了一些電影之後，于80年代回國。接著便拍出了令人震驚的《阿莫羅薩》。影片以富於詩意和充滿象徵性的畫面，描述了瑞典30年代一位著名的女作家阿格尼絲的痛苦經歷。另一位著名的瑞典女導演是來自話劇舞臺的蘇珊娜·奧斯登。她在1982年以故事片《我們的生活現在開始》在影壇上暫露頭角。其後，她的《莫扎特兄弟》(1986)成為把通俗喜劇和嚴肅的藝術主題結合起來的典範。90年代，奧斯登在常規電影的範圍內所進行的探索更加引人注目。拍攝于1990年的《守護天使》描寫了發生在歐洲某國一個與政治謀殺有關的故事。1993年的《大點聲說話，這裡太黑了》描寫了一個新納粹分子和一個猶太醫生之間的衝突。其後的《只有我和你》(1994)則再次把視角對準了當代瑞典政壇。
商業電影在行動
今天，世界任何一個大的電影生產國都不可避免地會生產大眾文化範疇的商業電影。在當代瑞典影壇上，喜劇和警察題材的驚險片就屬於這類電影的兩個主要類型。在瑞典藝術家看來，大眾的電影並不意味著一定和低品質的影片劃等號。例如拉塞·哈爾斯特倫1985年拍攝的喜劇片《我的生活像條狗》不僅獲得了奧斯卡外語片的提名，其本人也被邀請到好萊塢拍片。他在1999年拍攝的《蘋果酒屋的味道》曾在多個電影節參展，併入選為多個當年10大佳片之列。而以警探故事為題材的驚險片也一直是瑞典電影的一個重要樣式。80年代中期，新電影的探索者維德伯格就曾拍攝過轟動一時的驚險片《瑪佑卡來的人》。與此同時，同樣在80年代由謝爾·森德沃爾拍攝的《以法律的名譽》和90年代初瑞典與德國聯合製作的“馬丁·貝克”系列驚險片都是根據國際著名的偵探小說改編的。它們也都採取了當年維德伯格的敘事策略：讓警探片的傳統和敘事結構呈現出一種靈活的彈性，使之能夠面對一個變化了的世界並由此成為社會的批評和對時代的隱喻。例如森德沃爾的《以法律的名譽》，不僅反映著警察中存在的危險的暴力傾向，而且以一種引人注目的方式，提出了當代社會中男性主人公的“身份”問題。在影片中，由被公認為當代最富於男性魅力的明星沃爾特扮演的主人公再也不像傳統電影中那樣被女性所追求。相反，他在離異後一直孤身一人。我們在銀幕上看到的永遠是他那張淩亂和空蕩蕩的床出現在公寓灰暗、骯髒的角落裏。1996年，森德沃爾又拍攝了另一部驚險片《獵人們》。影片通過一場狩獵中的陰謀揭示了瑞典北方地區存在的醜陋力量和極端主義的精神狀態。而另一位導演邁克爾·德魯克1994年拍攝的一部警匪懸疑片《乘客》更是以警匪身份的含混和位置的不斷置換使觀眾從最初對嫌疑犯的分辨轉向對“罪與罰”問題的思考。
在今天這個電影的多媒體化和頻繁的國際交流的時代，瑞典電影離我們更是既不陌生也不遙遠。在3月下旬將在北京拉開帷幕的瑞電影周上，我們不但將有機會欣賞到剛剛獲得奧斯卡提名的《潔白如雪》和伯格曼的兩部經典之作，還將會看到瑞典電影人與好萊塢大公司合作拍攝的最新影片。它一定會給觀眾帶來關於瑞典電影嶄新的感受和認識。
來源：南方網綜合
|
Steven 發表在 痞客邦 留言(3) 人氣(136)
